Турецкая музыка: народные песни, османская классика и современная сцена

Названия турецких направлений не всегда понятны при буквальном переводе. Например, Türk sanat müziği обычно обозначает традиционную профессиональную музыку, выросшую из османской культуры. Симфонический концерт тоже относится к академическому искусству, но представляет другую музыкальную систему.

Один исполнитель может обращаться к нескольким направлениям. Поэтому жанровая подпись помогает выбрать отправную точку, но не описывает все творчество музыканта.

В традиционной турецкой музыке важны два понятия: макам — makam и усул — usul. Их нельзя полностью заменить привычными словами «гамма» и «размер».

Макам включает не только набор звуков, но и отношения между ними: опорные ступени, характерные обороты, способы начала и завершения музыкальной мысли. Существенное значение имеет seyir — направление и порядок мелодического развития. Две мелодии могут использовать близкий звуковой материал, но по-разному его раскрывать.

Среди известных названий макамов — Rast, Hicaz, Hüzzam, Uşşak. Для первого прослушивания не требуется запоминать их устройство. Достаточно обратить внимание, что мелодия возвращается к определенным опорам и развивается по узнаваемой логике.

В этой системе используются интервалы, которые не всегда совпадают с привычным европейским равномерно темперированным строем. Поэтому некоторые звуки могут восприниматься как промежуточные между клавишами фортепиано. Это особенность музыкального языка, а не неточность исполнения.

Усул организует последовательность сильных и слабых долей, их продолжительность и повторение. Число долей само по себе еще не передает весь ритмический рисунок. Например, девятидольный цикл может складываться по схеме 2 + 2 + 2 + 3: последняя группа оказывается длиннее остальных.

Не каждое традиционное произведение связано с постоянно повторяющимся ритмическим циклом. Существуют свободные вокальные и инструментальные формы, где музыкальная фраза развивается без равномерного отсчета долей.

Традиционные инструменты различаются по устройству, способу извлечения звука и среде исполнения. При этом многие из них распространены и в соседних странах: музыкальная история региона складывалась через постоянные контакты.

Особенно легко перепутать две кеменче. Черноморская кеменче имеет вытянутый корпус и тесно связана с местными песнями и танцами. Классическая кеменче отличается грушевидной формой и другой техникой игры. Совпадение названия не делает их одним инструментом.

Слово saz тоже требует внимания. В широком употреблении оно может обозначать музыкальный инструмент, а в повседневной речи нередко используется применительно к багламе и родственным ей инструментам. Размеры и строй внутри этого семейства различаются.

Турецкая народная песня — тюркю, türkü — может быть связана с конкретной местностью, событием или человеческой судьбой. Многие песни передавались устно и существуют в нескольких вариантах. Но не все произведения народного репертуара анонимны: авторство некоторых известно.

Темы тюркю выходят далеко за пределы любовной истории. В них встречаются военная служба, тяжелый труд, утрата, природа, семейные отношения и gurbet — жизнь на чужбине или вдали от родного дома. При переселении в другой город или страну такая песня могла сохранять связь с привычной средой.

В народной музыке различают две большие группы мелодий:

• Узун хава — uzun hava. Пение со свободной ритмической организацией, протяженными фразами и значительной ролью исполнительской манеры.
• Кырык хава — kırık hava. Мелодии с определенной метроритмической организацией; среди них много песенных и танцевальных произведений.

Это не деление на «грустные» и «веселые» песни. Свободное пение определяется устройством музыкальной фразы, а не только настроением. Возможны и произведения, в которых сочетаются свободные и ритмически организованные части.

Отдельные названия связаны с назначением песни: ağıt — плач, ninni — колыбельная. Местное произношение, украшения мелодии и манера звукоизвлечения могут быть не менее важны, чем сами слова.

Народная музыка Турции не имеет единого звучания для всей страны. Различия существуют между крупными регионами, соседними провинциями и отдельными исполнительскими школами.

На востоке Черноморского побережья заметное место занимает хорон — энергичный групповой танец. Его могут сопровождать кеменче, тулум или давул с зурной, в зависимости от местной традиции. Музыка связана с рисунком движений и общей собранностью танцующих.

В Эгейском регионе распространены зейбекские танцы. Среди них есть сдержанные, торжественные варианты с широкими жестами и отчетливой постановкой корпуса. Поэтому зейбек не следует представлять просто как еще один быстрый свадебный танец.

В Центральной Анатолии, особенно в традициях Кыршехира, важен бозлак — разновидность протяжного пения. Здесь большое значение имеют голосовая выразительность, мелодические украшения и взаимодействие певца с багламой.

В восточных и юго-восточных областях, а также в других частях страны, широко известны разновидности халая. Участники выстраиваются в линию или незамкнутый круг; музыка поддерживает общий рисунок шагов. Давул и зурна — одно из характерных сочетаний для такого исполнения.

Эти примеры не являются жесткой картой, где каждому региону разрешен только один танец. Переселения, свадьбы, сценические коллективы и записи распространяли мелодии далеко за пределы мест их происхождения.

Ашык — поэт-певец, для которого сочинение и исполнение стихов тесно связаны. В традиции важны обучение у мастера, игра на сазе, импровизация и состязания. Музыкальная фраза помогает развернуть поэтическую мысль, а текст определяет характер исполнения.

Ашыкская традиция Турции включена в список нематериального культурного наследия ЮНЕСКО. Ее связь с поэзией особенно хорошо показывает, почему историю музыки и историю словесности не всегда можно рассматривать отдельно.

Ашик Вейсель — один из самых известных народных поэтов-певцов XX века. Его произведения соединяют размышления о человеческой жизни, природе, земле и времени. В авторском исполнении внимание удерживают голос, баглама и смысловая выразительность текста, а не сложная оркестровка.

Нешет Эрташ связан с Кыршехиром, культурой абдалов и традицией бозлака. Он учился у своего отца Мухаррема Эрташа и перенес региональную исполнительскую манеру в общенациональное музыкальное пространство. В его искусстве игра на багламе и пение образуют тесное единство.

Этих музыкантов удобно слушать рядом, обращая внимание на различия в построении фразы, голосовой подаче и сопровождении. Принадлежность к народной музыке не означает одинаковой манеры исполнения.

Османская профессиональная музыка формировалась в нескольких связанных между собой средах. Двор, городские музыкальные собрания и религиозные учреждения участвовали в передаче репертуара и подготовке исполнителей.

Важное место занимал фасыл — fasıl: последовательность произведений, объединенных макамом и определенным порядком исполнения. В такую программу могли входить вокальные и инструментальные формы. Таксим — taksim — свободное инструментальное высказывание, раскрывающее макам, часто импровизационное.

Среди крупных композиторов этой традиции — Бухуризаде Мустафа Ытри и Хамамизаде Исмаил Деде-эфенди. Их творчество связано как с профессиональным музыкальным образованием, так и с религиозной культурой. Деде-эфенди создавал произведения разных форм и воспитал учеников, продолживших традицию.

Значительная часть исполнительских навыков передавалась через meşk — обучение у мастера с повторением и запоминанием произведения. При таком подходе усваивались не только звуки, но и фразировка, украшения, произношение и стиль.

В современной афише слово «фасыл» может обозначать и развлекательный вечер с популярным традиционным репертуаром. Поэтому такое название само по себе не обещает точного воспроизведения исторической концертной последовательности.

Суфийскую музыку часто узнают по звучанию нея и образу вращающихся дервишей. Однако церемония сема — sema у мевлеви представляет целостную традицию, в которой музыкальные разделы, пение и движения имеют установленное место.

Для нее исполняется особый репертуар. Ней, ударные и голос участвуют в последовательности, которая связана с духовным содержанием церемонии. Произведения Руми на персидском языке служат одним из основных источников ее поэтических текстов.

Сема мевлеви включена в список нематериального культурного наследия ЮНЕСКО. Она связана прежде всего с Коньей и Стамбулом, хотя традиция существует и в других местах.

Музыку для подобной церемонии и запись с названием «суфийская музыка для расслабления» следует различать. Современная инструментальная композиция может использовать ней и создавать созерцательное настроение, не являясь частью исторического ритуального репертуара.

Музыкальные традиции, включенные в нематериальное наследие, дополняют представление о наследии ЮНЕСКО в Турции: охраняются не только памятники и исторические территории, но и способы исполнения, обучения и передачи культуры.

В республиканскую эпоху в Турции развивались оркестры, консерватории, опера и профессиональное обучение европейского типа. Композиторы обращались к симфонии, концерту, камерным произведениям и крупным вокальным формам.

С первым поколением республиканских композиторов связано название «Турецкая пятерка» — Türk Beşleri. В нее включают Джемаля Решита Рея, Хасана Ферита Алнара, Ульви Джемаля Эркина, Ахмета Аднана Сайгуна и Неджиля Кязыма Аксеса. Их музыка различалась по стилю, но обращение к местному мелодическому материалу стало одной из важных творческих задач поколения.

Пример связи литературы и академической музыки — оратория Сайгуна «Юнус Эмре» для солистов, хора и оркестра. Ее первое исполнение состоялось в Анкаре в 1946 году под управлением композитора. Поэтическое наследие здесь получило новую форму, отличающуюся от традиционного исполнения отдельного религиозного песнопения.

Современную академическую сцену представляет, в частности, Фазыл Сай — пианист и композитор. В его репертуаре соседствуют произведения европейской классики и собственные сочинения. Его деятельность показывает, что турецкий музыкант может одновременно быть интерпретатором международного репертуара и автором самостоятельного музыкального языка.

В Анкаре одним из центров этой жизни остается Президентский симфонический оркестр, работающий на площадке CSO Ada Ankara.

Радио, звукозапись, кино и концертная эстрада изменили аудиторию традиционной вокальной музыки. Исполнение, которое прежде требовало присутствия на музыкальном собрании, можно было услышать дома и многократно воспроизвести.

Мюзейен Сенар связана с развитием исполнительской школы Türk sanat müziği. В ее пении важны фразировка, отчетливость мелодического рисунка и выразительность произнесенного слова. Ее записи позволяют познакомиться с традиционным городским вокальным репертуаром XX века.

Зеки Мюрен соединял музыкальное образование, работу с традиционной песней и яркий сценический образ. Его известность выходила далеко за пределы узкого круга знатоков. Для многих слушателей знакомство с макамной вокальной традицией происходило именно через таких артистов.

Популярность исполнителя при этом не делает каждую песню его собственным сочинением. В турецком репертуаре важно различать певца, автора музыки и автора текста: одна композиция может существовать в нескольких известных интерпретациях.

Арабеск стал особенно заметен во второй половине XX века. Его развитие связано с внутренней миграцией, ростом городов и изменением повседневной жизни. Разлука, бедность, несправедливость, одиночество и спор с судьбой получили в этой музыке подчеркнуто эмоциональное выражение.

Название жанра не означает, что это просто арабская музыка с турецкими словами. В арабеске соединились разные влияния, турецкая вокальная традиция, народная мелодика, оркестровые приемы и возможности звукозаписи.

С направлением прежде всего связывают Орхана Генджебая, Ферди Тайфура и Мюслюма Гюрсеса. При этом их исполнительские манеры и творческие биографии различаются. Орхан Генджебай известен также как композитор, инструменталист и создатель собственного музыкального подхода.

Для арабеска характерны напряженная вокальная подача и развернутое выражение переживания. Песня может долго удерживать одно чувство, возвращаясь к нему через повтор, мелодическое развитие и нарастание сопровождения.

Вокруг жанра существовали споры о вкусе и социальном положении его аудитории. Однако сводить арабеск к музыке одной общественной группы было бы неточно: менялись и слушатели, и способы исполнения, а его элементы переходили в поп-музыку и рэп.

В 1960–1970-х годах в Турции развивалось направление, которое получило название анатолийский рок — Anadolu rock. Электрогитары, бас, ударные и клавишные сочетались с народными мелодиями, традиционными инструментами и поэтическими текстами.

С этим направлением связаны Барыш Манчо, Джем Караджа, Эркин Корай и Moğollar. Их нельзя воспринимать как исполнителей одной и той же формулы: одни произведения ближе к песенной истории, другие — к психоделическому звучанию, инструментальному эксперименту или общественному высказыванию.

У Джема Караджи заметное место занимают драматическая подача и социальный сюжет. Песня может быть устроена как небольшая история с персонажем и конфликтом. В его работе с группами Apaşlar, Kardaşlar, Moğollar и Dervişan менялось инструментальное окружение, но сохранялась выразительная роль голоса.

Барыш Манчо соединял рок с песенной мелодичностью и повествованием, понятным широкой аудитории. Его творчество удобно рассматривать не только через отдельные хиты, но и через то, как узнаваемый авторский мир складывается из интонации, образов и сценического поведения.

Сельда Багджан показывает еще один путь соединения народной песни и современной записи. В ее альбоме Selda 1976 года используются электрические инструменты и экспериментальные аранжировки, при этом центральное место сохраняет сильный, выразительный голос.

Интерес к анатолийскому звучанию продолжается в новых проектах. Гайе Су Акйол соединяет турецкую мелодику с психоделией, роком и собственным сценическим миром. Ее альбом Anadolu Ejderi показывает, как исторические влияния становятся материалом для новых авторских песен.

Altın Gün, группа, возникшая в Амстердаме, работает с турецкими песнями и инструментальными традициями через фанк, рок и психоделическое звучание. Ее дебютный альбом On вышел в 2018 году. Этот пример особенно хорошо показывает, что современная жизнь турецкого репертуара не ограничивается государственной границей.

Турецкая поп-музыка складывалась через взаимодействие местной песенной культуры с международными формами записи, аранжировки и сценического выступления. Внутри нее существуют танцевальные композиции, баллады, песни с фольклорными элементами и более экспериментальные работы.

Сезен Аксу — одна из центральных фигур этой истории. Ее значение связано с исполнением, авторской работой и влиянием на других музыкантов. В ее репертуаре соседствуют эмоционально сосредоточенные песни и подвижные композиции, а сотрудничество с аранжировщиками, в том числе Онно Тунчем, участвовало в формировании узнаваемого звучания.

Альбом Gülümse 1991 года — одна из возможных отправных точек для знакомства с этой частью поп-сцены. Он позволяет услышать музыкальную среду начала 1990-х без попытки представить весь период одной песней.

Таркан начал профессиональную дискографию с альбома Yine Sensiz в 1992 году. Международную известность получили, среди прочих, Şımarık и Dudu. Их узнаваемость связана не только с мелодией, но и с сочетанием вокальной манеры, ритма, аранжировки и сценической подачи.

При этом его репертуар не ограничивается танцевальным попом. Альбом Ahde Vefa 2016 года посвящен традиционному классическому песенному наследию. Такой переход помогает услышать связь между современной эстрадой и более ранней вокальной культурой.

Другой международный рубеж — победа Сертаб Эренер на «Евровидении» в 2003 году с Everyway That I Can. А второе место рок-группы maNga в 2010 году показывает, насколько разными могли быть представления турецкой сцены на одном конкурсе.

Одна из важных глав истории турецкоязычного рэпа связана с Германией и опытом детей мигрантов. Музыка давала возможность говорить о принадлежности, отчуждении, дискриминации и жизни между разными культурными средами.

Проект Cartel, получивший широкую известность в 1995 году, стал заметным примером движения такого репертуара из диаспоры в Турцию. В дальнейшем турецкоязычный рэп развивался в разных направлениях, а среди его известных представителей — Ceza и Sagopa Kajmer.

В более поздней сцене заметное место занимает Ezhel. Его дебютный альбом Müptezhel вышел в 2017 году. В нем городской опыт передается через рассказы о повседневной жизни, финансовых трудностях и ощущении собственного места в обществе.

Рэп нельзя описать одной тематикой. Общественное высказывание, личная история, словесное состязание и развлекательная композиция могут использовать разные способы работы с голосом и ритмом. Различаются и музыкальные основы: от более традиционных хип-хоповых приемов до современных электронных форм.

Джаз в Турции имеет собственную исполнительскую среду. Пианисты, духовые музыканты, вокалисты и ритм-секции работают как со стандартами, так и с авторскими композициями. В одних проектах местные мелодические влияния выражены отчетливо, в других на первом плане находится международный джазовый язык.

Керем Герсев — пианист и композитор, чьи ансамблевые работы дают возможность познакомиться с этой сценой. Его выступления в разных составах показывают роль взаимодействия между музыкантами: мелодическая линия, сопровождение и импровизация постоянно влияют друг на друга.

Стамбульский джазовый фестиваль представляет как международных артистов, так и музыкантов из Турции. Подобная программа позволяет увидеть несколько поколений и подходов рядом, а не судить о всей сцене по одной известной записи.

Для первого знакомства удобно выбрать произведения с разным устройством. Это редакционная подборка направлений для прослушивания, а не рейтинг исполнителей.

Одну песню интересно сравнить в нескольких исполнениях: меняются темп, инструменты, украшения мелодии и смысловые акценты. При этом современная обработка не обязательно передает ту манеру, в которой произведение звучало первоначально.

Музыка знакомит с произношением, повторяющимися выражениями и эмоциональными оттенками слов. Однако песенный текст может содержать перестановки слов, поэтические сокращения, старую лексику и местные особенности речи.

Певец растягивает слоги, меняет привычные ударения ради мелодии и повторяет отдельные звуки. Поэтому трудность понимания на слух не всегда означает, что слушателю не хватает базовых знаний языка.

При изучении турецкого языка песня становится дополнительным материалом: позволяет сопоставить написанный текст с исполнением и услышать выразительные возможности речи. Но фразу из любовной баллады или старинной композиции не всегда можно без изменений перенести в повседневный разговор.